From her university days, Yoona Kim actively sought opportunities to work abroad, dreaming of music that extended beyond the boundaries of traditional Korean music. Through touring in Europe, she experienced firsthand the possibilities of creative performance and cultural exchange. She continued her creative work based on jeongga through the group “Modern Gagok,” establishing a foundation for growing into an independent artist beyond the role of performer. Determined to step outside her comfort zone and explore new musical languages, she went to the United States to study, completing broad training in performance, composition, improvisation, and jazz at the New England Conservatory and Berklee College of Music. She now expands her artistic scope as a global artist unconstrained by borders, performing on the ajaeng across genres including jazz, blues, and Jewish music.

김유나는 대학 시절부터 한국음악의 틀을 넘어선 확장된 음악을 꿈꾸며 해외 활동의 기회를 적극적으로 찾아 나섰고, 유럽 투어 경험을 통해 공연 창작과 문화 교류의 가능성을 체감했다. 이후 팀 ‘모던가곡’을 통해 정가를 바탕으로 한 창작 활동을 지속하며, 연주자를 넘어 주체적인 예술가로 성장하는 기반을 다졌다. 스스로의 컴포트 존을 벗어나 새로운 음악 언어를 탐구하기 위해 미국 유학길에 오른 그녀는 뉴잉글랜드 콘서바토리와 버클리음대에서 퍼포먼스, 작곡, 즉흥, 재즈를 폭넓게 공부하며 자신의 음악적 스타일을 스스로 설계하는 법을 배웠다. 현재 그는 아쟁으로 재즈, 블루스, 유대인 음악 등 다양한 장르를 넘나들며, 국경에 얽매이지 않는 글로벌 아티스트로 활동 영역을 확장하고 있다.

Inbo Lee decided to study in France not through careful planning but by following an instinctive desire to become someone who creates performances. Although he began as a daegeum major, he broadened his studies to theater, music, computer music, and cultural planning, focusing on how music intersects with other art forms. His time in France shifted his perception of performance culture—one that values questions and artistic intention over perfection—and also changed how he understood the audience’s attitude toward artists. After 11 years in France, he returned to Korea and has continued directing works rooted in traditional arts, using tradition as “the most familiar language” through which he creates contemporary performances.

이인보는 공연을 ‘만드는 사람’이 되고 싶다는 생각에서 계획보다 직감에 따라 프랑스 유학을 결심했고, 연출을 중심으로 예술의 확장을 모색해왔다. 대금 전공자로 출발했지만 연극, 음악, 컴퓨터음악, 문화기획까지 폭넓게 공부하며 음악이 다른 예술과 만나는 방식에 주목했다. 프랑스에서의 경험은 완성도보다 질문과 의도를 중시하는 공연 문화, 그리고 예술가를 바라보는 관객의 태도에 대한 인식을 바꾸는 계기가 되었다. 11년간의 프랑스 생활 후 한국으로 돌아와 전통예술을 기반으로 한 연출 작업을 이어가며, 전통을 ‘가장 익숙한 나의 언어’로 삼아 현대적인 공연을 만들어가고 있다.

Gamin first sensed the new possibilities of performing abroad when, as a member of the National Gugak Center’s Creative Orchestra, she had the opportunity to perform in the United States and Paris. Later, as a New York Residence Artist selected by Korea’s Ministry of Culture and Tourism, she gradually shifted her artistic base to the U.S. Without affiliation to any local school or institution, she established her identity as an independent artist through self-initiated project planning and collaborations with individual artists. She continues to work across Korea, the U.S., and Europe, emphasizing the need for an artistic ecosystem that allows for free individual creation and rich intercultural exchange without the constraints of institutions or formal structures. Expanding her role beyond that of a performer to serve as a cultural mediator of Korean traditions, she currently directs UCLA’s Music of Korea program, where she teaches courses that combine performance practice with cultural experience.

가민은 국립국악원 창작악단 단원으로 활동하던 시절 미국과 파리 공연을 계기로 해외 무대의 새로운 가능성을 체감했고, 이후 문화관광부 선정 뉴욕 레지던스 아티스트로 활동하며 자연스럽게 활동 기반을 미국으로 옮겼다. 그는 현지의 학교나 기관의 소속 없이 자발적인 공연 기획과 개인 아티스트들과이 협업을 통해 독립예술가로서의 정체성을 확립해갔다. 한국과 미국, 유럽 등지를 오가며 활동하고 있으며 제도나 소속에 얽매이지 않은 개인의 자유로운 창작과 다양한 문화 교류가 가능한 음악 생태계의 필요성을 말한다. 연주자를 넘어 한국문화의 매개자로서의 활동 영역을 확장시키고 있으며, 현재 UCLA에서 한국음악 프로그램 디렉터로 연주 실습과 문화체험을 포함한 한국음악 수업을 운영하고 있다.

Donna Kwon describes herself as Korean American, Asian American, musician, and lifelong learner. She recounts her background in Western classical music and her gradual turn toward Korean traditional arts through studies in Korea and community-based learning at the Korean Youth Cultural Center (KYCC), which she calls a formative, politically rooted space. She outlines the themes and processes behind her two books Music in Korea and Stepping in the Madang, and offers advice for Korean musicians seeking careers abroad—emphasizing communication skills, entrepreneurship, and building supportive networks.

도나 권은 한국계 미국인 민족음악학자이자 연주자로서, 서양 음악을 배운 후 한국 전통음악에 대한 관심으로 현장 연구와 한국 내 공동체 기관에서의 학습을 이어왔다. 그녀는 한인청년문화원(KYCC)과 Uri Madang 등에서 교육과 공연 경험을 쌓았으며, 한국과 미국에서의 음악 교육과 연구 환경의 차이, 접근성 문제, 전통음악 보급과 K-pop과의 연계 가능성 등에 대해 이야기했다. 또한 Music in Korea와 Stepping in the Madang 출간 과정과 연구 배경, 미국에서 한국 음악을 가르치고 배우며 겪는 도전과 기회, 해외에서 음악 경력을 쌓고자 하는 음악가와 학자들을 위한 조언을 공유하며, 창의적이고 실천적인 접근을 강조했다.

Han G-in, a Korean adoptee born in Seoul and raised in Minnesota, describes her evolving journey to reclaim her Korean identity through her name, cultural experiences, and lifelong dedication to traditional arts. Despite early feelings of displacement and limited acceptance from some culturally Korean communities, formative relationships with Korean women, and profound encounters with Korean dance helped her build a sense of belonging. Her commitment to learning traditional dance and drumming led her to study with multiple teachers in Korea and the U.S., eventually taking leadership of the JangmiArts troupe to support adoptees and Korean American youth. She emphasizes creating safe, affirming spaces—especially for adoptees and LGBTQIA+ students—while fostering future teachers who can connect deeply with Korean culture.

한지인은 1979년 서울에서 태어나 미국 백인 가정에 입양된 한국계 미국인으로, 자신을 displaced Korean, transcultural adoptee로 정체화한다. 어린 시절 한국 문화와 전통 무용에 대한 관심은 미네하하 아카데미 한국 문화 캠프와 한지원 선생님을 통해 싹텄으며, 이후 한국과 미국에서 다양한 무용과 북 수업을 경험하며 전문성을 쌓았다. 입양 과정과 한국적 정체성 형성에서 중요한 역할을 한 인물로 한지원 선생님과 사회복지사 한현숙 씨를 언급하며, 장미아트를 이끌며 한국 입양인과 한국계 미국인을 위한 교육과 커뮤니티 활동에 헌신하고 있다. 또한, 해외에서 활동하는 한국 전통 음악가들에게 문화적 정체성 이해, 협업, 장기적 교육 투자의 중요성을 강조하며, 한국 전통 예술의 소중함과 출신 배경의 존중을 강조한다.

Sebastian Wang, a Korean-Chinese American percussionist, describes how Korean music—especially samulnori—deeply shaped his cultural identity and career, beginning with a childhood encounter at a Korean film festival and later intensive training in Korea that led him to become the first American to graduate from K-Arts’ samulnori program. Despite challenges accessing resources, proving his qualifications in the U.S., and building ensembles with enough members, he established the Korean percussion ensemble at the University of Maryland and later founded Washington Samulnori. He emphasizes the importance of mentorship, networking, and collaboration among gugak musicians, both in the U.S. and abroad, and hopes to raise the professional visibility of samulnori so audiences worldwide can recognize high-quality Korean drumming.

왕 세바스찬은 한국계 중국계 미국인으로서 한국 음악을 통해 한국 문화와 정체성에 깊이 연결되었고, 어린 시절 사물놀이 공연을 본 경험을 계기로 한국에서 본격적으로 연희를 공부해 한예종을 졸업했다. 이후 미국으로 돌아와 메릴랜드대학교 한국 타악 앙상블을 창단하고 워싱턴 사물놀이를 설립하면서 한국 전통 타악의 전문성과 인지도를 높이기 위해 활동해 왔다. 그는 자원 부족, 인맥 형성, 자신의 배경 때문에 겪은 편견 등 여러 어려움을 언급하며, 해외에서 활동하려는 국악인들에게는 명확한 비전, 탄탄한 네트워크, 협업의 중요성을 강조한다. 궁극적으로 사물놀이가 세계적으로 한국 음악의 대표 장르로 인식되고, 전문적인 수준으로 자리 잡기를 목표로 하고 있다.

Suwan Choi began his musical journey in high school, training in pungmul under mentors who encouraged diverse experiences, from busking to orchestral study. He joined the performance group Nanjang & Pan, gaining international exposure that sparked his interest in studying abroad. He studied at Northern Illinois University with a scholarship and now serves as Artistic Director at the Korean Performing Arts Institute of Chicago (KPAC), where he manages performances, navigates variable conditions, and oversees logistics.

최수완은 고등학교 시절 풍물, 산조, 관현악 등 다양한 경험을 쌓으며 자신의 음악적 기반을 넓혔고, 이후 난장앤판 활동을 통해 해외 공연을 다니면서 유학의 꿈을 키웠다. 호주 유학을 준비하던 중 우연히 시카고한국전통예술원을 알게 되어 미국에 오게 되었는데 영어 공부와 공연 활동을 병행하던 중 NIU(노던일리노이대학교)에서 열린 World Music Symposium에서 영감을 받아 2018년에 석사과정에 입학했다. 유학생활에서는 언어 장벽과 소통 방식의 차이로 어려움이 많았지만, 졸업 후 꾸준한 노력과 자신의 강점을 활용해 NIU와의 연결을 넓혀나갔다. 현재 시카고한국전통예술원 예술감독으로 활동하며 공연 기획과 연주 및 현장 운영 등 다양한 업무를 맡고 있다. 미국의 공연시장이 가진 성격과 전문 연주자로서 마이너 예술 시장에서 겪는 현실적 난관도 솔직히 털어놓았다.

Soojin Lee reflects on her journey from Korea to the United States, where her academic path evolved from gayageum performance to ethnomusicology and eventually to music education, influenced both by her professors’ guidance and her family circumstances. After moving several times for her husband’s career and raising a child, she completed a doctorate in music education and ultimately built her professional life in Minnesota rather than returning to Korea. She now works as a resident artist at the MacPhail Center for Music, teaches gayageum and Korean music to thousands of students through school partnerships, and performs and collaborates across diverse musical genres.

이수진은 2004년 결혼과 함께 미국에 건너와 인류음악학과 음악교육을 공부하며 경력을 쌓았고, 가족과의 생활 기반이 미국 미네소타에 정착되면서 현지에서 음악 교육자이자 가야금 연주자로 활동하게 되었다. 국악 전공자로서 음악교육 박사를 선택한 배경에는 한국 음악 교육 현장에서 국악 전공자의 부재를 느낀 경험이 있었으며, 박사 후에는 미네소타의 비영리 음악교육 기관인 맥페일(MacPhail Center for Music)에서 가르침, 학교 레지던시, 지역사회 프로그램 참여 등 다양한 역할을 수행하고 있다. 또한 장미아트(Jangmi Arts)와의 협업, 지역 그랜트 수혜, 여러 문화권 음악가들과의 협연을 통해 가야금 레퍼토리 확장과 지역사회 음악 접근성 향상에 기여하고 있으며, 앞으로는 미네소타 남동부 지역을 기반으로 한국 전통음악을 알리고 청소년 교육을 확대할 수 있는 커뮤니티 단체 설립도 꿈꾸고 있다.

Kim Sunhong, a PhD candidate in ethnomusicology at the University of Michigan, began her journey as a traditional Korean piri performer but shifted toward research after engaging with the Eunyul Talchum community, where she witnessed music functioning as a source of identity and continuity for North Korean refugee descendants. These encounters broadened her understanding of “Korean identity” and sparked her interest in the social lives of music, ultimately leading her to pursue graduate studies in the U.S.